Bella y casi inmortal

Después de su Oscar por El jardinero fiel, vueve Weisz. Vuelve para robarle el corazón a Hugh Jackman, y a todos nosotros.

Compitió en apariencia con Liv Tyler en Belleza robada, evitó una catástrofe química junto a Keanu Reeves en Reacción en cadena, salvó el mundo al lado de Brendan Fraser en La momia, luchó con Jude Law en la batalla de Stalingrado en Enemigo a las puertas y defendió África con la ayuda de Ralph Fiennes en El jardinero fiel.

Por suerte, en la carrera de Weisz no todo son títulos comerciales. Por amor al arte ha sido de las películas más curiosas e impactantes que he visto. Igual de ingeniosas me han resultado El jurado o Confidence, y es que no hay una sola película de la británica más bella (con permiso de Catherine Zeta-Jones) que no me haya dejado satisfecha. Me basta oir su nombre para saber que un filme vale la pena. Siguiendo este criterio, La fuente de la vida es pues un título imprescindible.

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Una radio de cine

"Hoy en día ya no se hacen películas como esta". Así es la opinión de muchos de los que han visto una de las películas más memorables del panorama clásico del cine español.Historias de la radio es uno de los títulos más populares de la década de los 50 y una de las películas más conseguidas del realizador y guionista José Luis Sáenz Heredia. Supone además uno de los primeros papeles del gran Tony Leblanc.

El argumento se comopone de tres pequeñas historias enlazadas a través de dos locutores enamorados y dos amigos que hacen gimnasia todas las mañanas siguiendo las instrucciones de los "monitores radiofónicos". Dos inventores que necesitan apoyo económico para patentar un pistón, un ladrón sorprendido por una llamada teléfonica de la radio en el domicilio en el que está robando y el maestro de un pueblo que quiere ayudar a un niño a pagar un viaje a Suecia para ser operado. Los tres episodios, bien manejados y conexionados por Heredia en el aspecto sentimental y humorístico, resultan inolvidables.

Conmovedora y divertida, nos enseña valores casi olvidados en la sociedad en la que vivimos.

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El Mesías se llama Brian

En Semana Santa todas las cadenas de televisión optan por la emisión de películas de temática religiosa, como Los diez mandamientos, Quo Vadis o el polémico filme de Mel Gibson La Pasión De Cristo (el plato fuertede Antena3 estas fiestas).

Sin embargo, mi recomendación para estos días, o para cualquier época del año, es la historia de un tipo normal (bueno, muy normal no era), corriente, con la mala suerte de haber nacido en Judea al mismo tiempo que Jesucristo. Se llama Brian.

La vida de Brian es la mejor comedia de los Monty Python, y una de las mejores sátiras del cine. Irreverente y delirante desde la primera escena hasta la última, esta película nos cuenta la desastrosa vida de un hombre al que el pueblo confunde con un mesías. No se trata de una blasfemia contra el catolicismo, aunque sin duda crea un cóctel explosivo al mezclar farsa, política y religión. Como era de esperar, el filme recibió las correspondientes críticas y protestas, pero no han impedido que se convirtiera en una obra imprescindible.

Secuencias irónicas, imaginativas y originales son posibles gracias a una curiosa galería de personajes interpretados por John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle yTerry Jones entre otros. Diálogos agudos la llenan de un humor inteligente:

- ¡Una limosna para un ex-leproso!

- Lo siento, no tengo pipas. Tengo higadillos de erizo, y bazos de ocelote...¿Quieres morros de nutria?

- Bueno, pero aparte del alcantarillado, la sanidad, la enseñanza, el vino, el orden público, la irrigación, las carreteras y los baños públicos, ¿qué han hecho los romanos por nosotros? (gran muestra de la necedad humana)

- ¿Te estás burlando de mi amigo Pijus Magnificus?

- ¿Crucifixión?
- Si.
- Salga por esa puerta a la derecha, una cruz por persona.

- Tengo orden de liberar a Brian de Nazaret, ¿quién es?
- ¡Soy yo!
- ¡Y yo!
- Yo soy Brian, y mi mujer también.

Frases como estas, o la magnífica banda sonora, hacen de La vida de Brian una película inolvidable, cargada de genialidad desde los títulos del comienzo hasta ese final acompañado de las notas de "Always look for the bright side of life". Y es que así es como debe ser, ¡mira siempre el lado bueno de la vida!

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La verdadera mujer fatal

There was never a woman like Gilda! Ya nos advertía el cartel de la película de Charles Vidor que como Gilda no hubo ni habrá otra igual.

Gilda, "la mujer" en todo su esplendor, indomable, de belleza salvaje e insultante, su descaro no tenía límites. Detrás de aquella cara de ángel y de su aparente ingenuidad se escondía una de las mujeres más fatales de la historia de Hollywood.

La década de los cuarenta gestó películas brillantes, pero el simbolismo y la estética de Gilda la convirtieron, todavía hoy, en una obra imprescindible. Amor y odio en la película que hizo de Rita Hayworth un mito erótico, la pin-up preferida de los norteamericanos (y de hombres de todo el mundo) de su generación. Si ella no le hubiera prestado cuerpo y rostro, Gilda no habría llegado a ser lo que los francese llaman femme fatale. Sólo ella puede despojarse de un guante mientras canta Put the blame on me ataviada con un vestido deraso negro y hacer que parezca que se lo está quitando todo. Muchos ya consideran esa escena un precedente de los streaptease de las pelis de los ochenta. Y es que su espléndida feminidad y su sensualidad desbordante no podían pasar desapercibidas.

Gilda es, sin duda alguna, el papel más memorable de Rita Hayworth, una fiera que ni un apuesto Glenn Ford logró amansar con la bofetada más famosa del cine. Cuentan que al rodar esa escena, el actor le partió un par de dientes, y el hombre mantuvo el tipo hasta que Vidor gritó "corten".

Sin embargo, Rita Hayworth fue desgraciada toda su vida. Resumía su fracaso personal cuando afirmaba: Every man I knew went to bed with Gilda...and woke up with me. Para trabajar en el cine tuvo que soportar estrictas dietas y continuos tratamientos de belleza. A los 42 años padecía un alzheimer que le impedía recordar los guiones, por lo que tuvo que retirarse del cine. Su afición al alcohol agravó su salud. Murió en 1987, a los 68 años de edad. Tampoco tuvo suerte en el amor; se casó cinco veces, las mismas que se divorció. Sus más sonados matrimonios fueron con el genial Orson Welles y con al príncipe Aly Khan.

Pero para nosotros, Margarita Carmen Cansino será siempre Rita Hayworth, la legendaria Gilda que enamoró al mundo y se convirtió en un icono inmortal.

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Un aroma irresistible

Obra maestra del alemán Patrick Suskind, El perfume: historia de un asesino enseguida se convirtió en un bestseller. Para Suskind, suponía su primera novela, y le valió notoriedad mundial. Escribió otros libros e incluso algún guión de cine, pero con ellos no logró el mismo éxtito.

Desde la primera página, el libro desprende un olor a interesante, que se va acentuando con el transcurso de la historia. La novela nos introduce de lleno en la época y nos presenta al protagonista más curioso que uno podría esperarse. Nacido en el barrio más miserable y apestoso de París, Jean-Baptiste Grenouille posee el peculiar don de reconocer miles y miles de olores, pero carece de olor propio, no huele a humano, quizá por que no es humano. En el lugar en que nos encontramos al principio de la novela no es de extrañar que un don como este pase desparcibido, hasta que Grenouille cae en manos de un famoso y reconocido perfumista de la ciudad, Baldini. Para él crea cientos de fragancias que se venden como rosquillas. Sin embargo, Grenouille, no encuentra en esos perfumes la esencia que busca. La búsqueda del aroma pefecto se convierte en una obsesión que le llevará a ser el asesino de muchachas más temido de Francia. Una obsesión que culminará con la muerte de una bella dama.

A medida que se acerca el final de la trama, los sentimientos hacia el protagonista se vuelven confusos, un ser abominable que al mismo tiempo inspira una pena inexplicable. Produce miedo a la vez que lo sufre, vive al margen de la sociedad sufriendo por no pertenecer a ella. Grenouile lucha contra su propia naturaleza inodora y siente dolido una dura exclusión social. No deja de ser un personaje despreciable, carente de moralidad.

Un desenlace impactante cierra una novela narrada de forma muy descriptiva, original y surrealista.
(en el tag "películas" colgaré un post sobre la adaptación cinematográfica de esta obra)

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The Host, maestría coreana

Más de la mitad de las producciones cinematográficas son, hoy en día y desde siempre, norteamericanas. Sin embargo, esta semana, he rescatado de la cartelera una obra maestra coreana, The Host, premiada en festivales tan prestigiosos como Stiges. Con motivo era una de las películas más esperadas de la 39 edición de este evento.

Como si del monstruo del lago Ness se tratase, una bestia salida de las aguas del río Han ataca a la población de Seúl causando el pánico. Cuando la pequeña hija de Gan-du cae presa del monstruo, él y su familia acuden al rescate, entorpecido por la labor del gobiero (coreano y norteamericano).

Un argumento aparentemente "facilón para atraer la atención. Sin embargo, resulta no ser más que un engaño comercial, pues la película alberga en su guión elementos tan dispares como comedia y terror, drama y crítica social. En la creación de la espantosa criatura, los efectos especiales cumplen con creces las espectativas. Bong Joon-ho despliega en su tercer largo una variada y magnífica gama de situaciones a la vez que imprime arriesgado saltos tonales que resultan ser todo un acierto.

Aunque no es una peli de monstruos más, al estilo de Alien o King Kon, The Host, según su director, recibe influencias confesables de Tiburón (Spielberg), Señales (M. Night Shyamalan) y de las películas clásicas de monstruos japonesas. Después de la compleja Memories of Murder, Joon-ho nos ofrece una obra profunda con la expone la situación social de unos personajes (mosaico de perdedores de una sociedad en proceso de modernización) magistralmente interpretados por el reparto. Y es que las relaciones personales son de lo más importante en la película. También son fundamentales las críticas que el cineasta hace sobre el poder establecido, apuntando especialmente a EEUU.

A pesar de que el desenlace no es el mejor final imaginable, Bong Joon-ho se consolida como uno de los realizadores más interesantes y talentosos del panorama actual. The Host es pura emoción, de las mejores películas del año, sin duda imprescindible.

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